Voir-ou-revoir

Mémoires de paysage

Les petits musées réservent de grandes surprises, et celui de l'Isle Adam nous fait découvrir deux graveuses exceptionnelles : Caroline BOUYER et Ariane FRUIT. J'ai été fascinée et impressionnée par leur travail et leur dextérité à passer d'une technique à l'autre, taille douce, linogravure, xylogravure, dessins à la plume ; petits et grands formats ; noir et blanc ou couleur. Le regard des deux artistes se rejoint dans les sujets, paysages urbains, paysages naturels qu'elles traitent avec une même sensibilité et délicatesse. Quel bonheur de se laisser emporter dans leur monde, de faire le tour des périphériques, de suivre les rails de la "petite ceinture", de longer la rue de Rome, puis  partir en voyage au Canada ou s'asseoir sur les galets de la plage de Dieppe et enfin méditer un moment dans une clairière.  

Caroline BOUYER est née en 1972, elle intègre à quinze ans une formation aux diplômes des métiers d'art à l'école Estienne. Elle se spécialise dans la gravure en taille douce qu'elle enseigne dès 1998 au GRETA de Paris, puis à partir de 2001 à l'école Estienne. 

Ariane FRUIT est née à Rouen en 1975, elle a commencé son parcours par le dessin et la photographie. Elle obtient en 2000 un diplôme de photographe de laboratoire de l'école des Gobelins à Paris puis s'engage dans la gravure. En 2017/2018 elle réalise une "Scène de crime", grand format, 215cm par 285 cm, gravée directement dans le sol en linoléum de son atelier, à  la fois autoportrait et mise en abyme de l'artiste au travail. Elle l'imprime à la main en six fragments assemblés et doublés sur papier. 

Les deux artistes ont leurs ateliers à Paris, l'une à Belleville, l'autre dans le quartier de la Goutte d'Or, elles vivent au cœur de la ville et s'intéressent à ses transformations et ses mouvements. Le périphérique, sorte de rempart qui isole Paris de sa banlieue, interpelle Caroline BOUYER qui grave les 38 portes, échappatoires du cercle infernal,  avec  leurs caractéristiques reconnaissables, gravées très librement à l'aquatinte. Nous sommes devant de petits paysages où le débit incessant des automobiles est absent, c'est  le silence du petit matin.

Aux côtés du "Périph" de Caroline BOUYER, Ariane FRUIT, dans un style graphique tout a fait opposé, précis, minutieux, deploie un long leporello de la "Rue de Rome", vue de la voie de chemin de fer. J'admire l'alignement des maisons, les quelques arbres, les murs ornés de graffiti ; je suis assise dans le train qui sort lentement de la gare St Lazare. Oubliés  la pollution, le bruit des roues sur les rails, les passagers discourtois, je reste seulement médusée par ce panorama habituel pour moi, devenu, par la magie du dessin, fascinant. 

En 2012/2013, Caroline BOUYER , lors d'un séjour dans une résidence au musée du Dessin et de l'Estampe originale de Gravelines, entreprend  des monotypes et des gravures  sur  la zone industrielle de Dunkerque et notamment  les gigantesques silos qu'elle traite avec une grande liberté au carborundum. Elle expérimente aussi l'ajout de couleurs sur deux gravures, l'une sur l'Usine aluminium de Gravelines, l'autre sur les Magasins généraux désaffectés de Pantin. 

En 2022 Ariane FRUIT effectue un  voyage au Canada à bord du train Toronto-Vancouver. Elle exprime ce trajet en 17 gravures sur bois de grands formats (70x100cm) qui correspond  à la taille des fenêtres du train. Elle nomme cette série "Transe canadienne" remplaçant le préfixe trans (au-delà à travers), par transe, état d'excitation : excitation du voyage ? excitation de graver, d'exprimer ? Ariane FRUIT trans-met son émotion, je suis impressionnée devant les murs d'arbres, les paysages grandioses : le train file, les paysages vibrent... je vibre aussi.

Impressionnantes également les gravures sur la marée et la plage de DIeppe. Le fusain, la pierre noire ou le crayon graphite dessinent les infimes détails des galets et des roches. Les pierres, les cailloux, deviennent délicats et doux.

Plage du Tilleul 2022 - Pierre noire et crayon carbone 50x35  

                                                      Marée basse 2023 - Lithographie 30x40cm

Pour terminer ce court aperçu de la centaine de pièces qui sont présentées au Musée Louis Senlecq, rêvons avec les "paysages oniriques" de Caroline BOUYER. Ces îles imaginaires sont imprimées à partir d'une combinaison d'éléments gravés sur cuivre, issus de croquis sur le vif d'arbres, buissons et cours d'eau.  L'impression sur des tissus récupérés ou des papiers anciens, la couleur rouge brun qui enflamme les buissons, les lavis bleus qui forment des taches,  ajoutent de la mélancolie aux œuvres qui nous transportent dans un monde qui n'existe pas ou plus.  

Comment se détacher de ces paysages merveilleux  ? Je retourne  devant le grand "Paradis perdu" exposé à l'entrée de l'exposition, et marche une dernière fois du regard sur les chemins à travers les arbres, les buissons, les rochers et les cascades. 

Un grand merci à mon amie Irène qui m'a fait découvrir ces deux artistes.

Photographies de l'article - M.Pellevillain

JUSQU'AU 20 SEPTEMBRE - Musée d'Art et d'Histoire Louis-Senlecq 

31 Grande rue - 95290 L'Isle Adam

musee@ville-isle-adam.fr

du mercredi au dimanche de 14 h à 18 h

Un regard vers Notre Dame en sortant de la station Saint Michel avant de me rendre à  la Monnaie de Paris (bâtiment  construit de 1771 à 1775 par Denis Antoine, architecte) qui occupe une surface de 12.000m2 quai Conti. La Monnaie de Paris est la plus ancienne institution française et l'une des plus vieilles entreprises du monde toujours en activité, elle a été fondée en 864 par Charles II le Chauve. Depuis 1973 la monnaie est fabriqué dans l'usine de Pessac à Bordeaux. 

La Monnaie de Paris abrite des expositions temporaire, celle de Maurits Cornelis Escher depuis le 15 novembre 2025,  se termine le 1er mars 2026.

Cette exposition est une première à Paris, elle a auparavant circulé dans la monde, séduisant des millions de spectateurs peut-être plus attirés par la scénographie ludique, les modules interactifs permettant de manipuler pavages et structures géométriques que par les gravures en elles-mêmes. Il fallait rendre l’œuvre accessible à tous et tous sont là ! J’ai traversé les salles bruyantes aux lumières mouvantes en fermant à demi les yeux.

Jusqu’à ce jour je ne connaissais Maurits Cornelis Escher que par les livres. Cet immense graveur, né  en 1898 à Leeuwarden aux Pays-Bas, est apparu au public dans les années 1960, grâce au mouvement hippie aux États-Unis qui s'appropria ses œuvres dans une optique psychédélique ; il ne vivait jusqu’à cette époque que de commandes d’affiches, d’ex-libris ou d’emballages de chocolat.

Dessinateur talentueux, manipulateur de formes, prestidigitateur jouant de la perspective et des points de vue, les images d’Escher nous entraîne dans son monde onirique ou le graphisme défie la logique et la gravité. Son style unique et original explore les thèmes des constructions impossibles, des pavages et des métamorphoses.

Au-delà des extraordinaires images,  j’ai ressenti une grande admiration pour le graveur dont la technique est exceptionnelle. Escher maîtrisait le xyloglyphie, la xylographie, la linogravure (il imprimait à la main), la lithographie et la manière noire.   

Ne manquez surtout pas de visualiser le documentaire remarquable que j’ai intégré en bas de l’article et qui nous fait comprendre les sources d’inspirations d’Escher, connaître sa vie et son entourage, le voir travailler.

M.C. Escher fait ses études à l’Ecole d’architecture et des arts décoratifs de Haarlem, son professeur Samuel Jessurun de Mesquita (qui mourra avec sa femme à Auschwitz) l’encourage à se tourner vers les arts graphiques. M.C Escher s’installe à Rome 1923 à 1935, période où il commence à exposer ses œuvres, notamment lors de sa première exposition personnelle au Palazzo Venezia. En 1924 il épouse Giuletta "Jetta"Umiker.

Escher visite deux fois l'Alhambra de Grenade, mais c’est lors de son deuxième séjour, en 1936, que sa fascination pour les décorations mauresques s'avère décisive.  Il s’intéresse particulièrement aux pavages.  Ces pavages sont à la base des cycles des métamorphoses. Escher crée un monde dans lequel différentes figures donnent lieu à des transformations de formes abstraites en formes animées et vice versa, passant sans transition de l'une à l'autre dans une métamorphose continue.

En 1941 il s’installe à Baarn aux Pays-Bas. En 1954 ses estampes sont exposées au Congrès international des mathématiciens à Amsterdam, et marque le début d’un dialogue avec la communauté scientifique.

En 1970 il emménage à la maison de retraite Rosa Spier Huis à Laren et décède à l’hôpital de Hilversum le 27 mars 1972, à 73 ans.

Au cours de sa vie, M.C. Escher réalise 448 lithographies et gravure sur bois, et plus de 2 000 dessins et esquisses^[], ainsi que des illustrations de livres, des tapisseries, des timbres et des œuvres murales.

Photos © et texte selon differentes sources  MP

Rappel succinct des techniques citées dans l'article

Impression en relief : c'est la surface qui est encrée au moyen d'un rouleau

Gravure sur bois de fil ou Xyloglyphie - la planche est coupée longitudinalement dans le sens de la pousse de l'arbre.  On travail au canif ou à la gouge

Gravure sur bois de bout ou Xylographie - le tronc d'arbre est tranché perpendiculairement au fil du bois, mettant au jour les cernes concentriques formés au fil des ans.  On utilise surtout la partie centrale du tronc où les fibres sont plus denses. On travail avec des burins.

Linogravure : s'exécute sur des planches de linoléum. On creuse avec des gouges creuses en U ou en V

Impression en creux :  ce sont les creux qui sont encrés

(Pointe sèche, burin, eaux forte) et  Manière noire - On éclaircit certaines zones d'une planche de cuivre ou de laiton préalablement rendue noire en la grainant avec un outil appelé "berceau", avec un grattoir et un brunissoir.

 Impression à plat :

Lithographie - la planche est une pierre lithographique. Le dessin est réalisé avec un médium gras qui retient l'encre d'impression grasse elle aussi, tandis que les parties qui doivent rester blanches sont imbibées d'eau et refusent donc l'encre.

La peintre contemporaine britannique Bridget Riley, née à Londres en 1931, produit depuis plus de soixante-cinq ans des œuvres visuelles dynamiques qui donnent l'impression de mouvement, et de vibration. Ces excitations visuelles nous placent en situation instable, entre plaisir et déplaisir, plongé dans une sensation de vertige proche de certains états d’ivresse légère. L'œuvre de Bridget Riley s’inscrit dans le mouvement Op’art.

L’exposition qui s’est terminée le 25 janvier au Musée d’Orsay (je l’ai vu le 23) comportait peu d’œuvre mais était particulièrement intéressante par la mise en lumière de l’influence  exercée par Georges Seurat sur la démarche artistique de Bridget Riley. Le point de départ, la copie que fait Brigitte Riley en 1959 du « Pont de Courbevoie » de Seurat ou elle s’exerce à la juxtaposition des couleurs pour créer des effets optiques.

Le pop art, l’art cinétique et l’art conceptuel ont émergé dans les années 1950-1960, Bridget Riley subit aussi l’influence de ces mouvements contemporains qui invitent le public à redéfinir sa relation à l’œuvre d’art. Elle est alors inspirée par Vasarely « père de l’art optique », mais aussi par le « Futuriste » Giacomo Balla. Je retrouve également dans ses œuvres Sol Lewit représentant de l’art conceptuel.

J’ai été très intéressée par la confrontation entre ces deux peintres, impressionnante dans la salle où se trouvait « Le Cirque » de Seurat.  Seurat, inventeur du procédé pointilliste ou divisionniste, portait l’abstraction des mouvements qui apparaitront soixante ans plus tard, et pourquoi pas des pixels inventés en 1957 par Russell A. Kirsch !

Une jolie découverte à Auvers sur Oise, commune qui s'étend sur sept kilomètres le long des rives de l'Oise, de la maison du Docteur Gachet, petit havre de verdure et de paix.

Cette maison est construite sur le terrain en terrasses d'une ancienne carrière. Elle est exposée au sud, la vue était imprenable lorsque le docteur Gachet y demeurait. Une cour arborée accueille les visiteurs autour de la réplique de la table rouge où le docteur Gachet recevait ses amis peintres, entre autres Cézanne, Pissarro, Guillaumin et Van Gogh et donne accès à  l'entrée de la carrière. En 1890 la cour possédait un bel acacia, dont il reste la souche, Van Gogh en a peint  quelques branches.

Paul Ferdinand Gachet est né le 30 Juillet 1828 à Lille.  En 1848 il étudie la médecine à Paris, puis se spécialise dans les maladies nerveuses à Montpellier en 1858, sa thèse s'intitule Etude sur la mélancolie.  il est médecin militaire durant la commune de Paris en 1871.

En 1872 il achète la maison d'Auvers, qui fut durant un temps une école libre pour jeunes filles, afin que son épouse Blanche, tuberculeuse, respire le "bon air"

       Paul GACHET en 1854 par Amand Gautier

Un an avant d'épouser Blanche, il s'était lié avec Louise Virginie Chevalier avec laquelle il avait eu une fille en 1867, Louise Joséphine (Lisette). Avec Blanche le Docteur aura deux enfants, Marguerite (dite Clémentine) et Paul Louis (Coco). Louise s'installera à Auvers pour s'occuper des enfants lorsque la maladie affaiblira Blanche.  Le Docteur était anticonformiste et ne croyait ni en Dieu, ni à l'école, ni au mariage. Son intelligence, sa grande générosité et sa gentillesse marquaient ceux qui le rencontraient.

Le Docteur Gachet est surtout connu pour ses liens avec Van GOGH, on sait qu'il était amateur d'art et entouré d'artistes, ce que l'on sait moins, et que j'ai découvert durant cette visite, c'est qu'il pratiquait lui-même la gravure. Il possédait tout le matériel nécessaire, y compris une presse, et sa pratique était tout a fait estimable, comme celle de la peinture qu'il exerçait en amateur éclairé. Pour signer ses œuvres il avait pris un pseudonyme :   Paul Van Ryssel (Ryssel signifiant Lille en flamand, pour rendre hommage à sa ville natale).

L'atmosphère qu'a connue Vincent Van Gogh lorsqu'il s'y est présenté le 20 mai 1890 avec une lettre de recommandation de son frère Théo est parfaitement reconstituée. Il fut reçu par Paul Louis et attendit le Docteur dans un petit salon.   

Le petit salon conduit à  la cuisine et de l'autre côté du couloir on retrouve la pièce la plus grande. Le rez-de-chaussée ne comporte que ces trois pièces et un escalier qui monte au premier étage.  

Le premier étage, une première pièce nous fait découvrir une belle presse taille douce , et quelques gravures des amis du Docteur, une seconde est consacré  aux œuvres du Docteur, la troisième aux œuvres de son fils Paul Louis     

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  Œuvres du docteur Gachet - Paul Van  Ryssel (toutes ne sont pas exposées)

Œuvres de Paul Louis, qui comme son père prendra le pseudonyme de Louis Van Reyssel.(toutes ne sont pas exposées)

Vincent van Gogh s'installe à Auvers-sur-Oise le 20 mai 1890. il commence à y peindre dès le 22 mai. Le 3 juin, il réalise la première version du portrait du Docteur Gachet dans la maison de celui-ci. La deuxième version est faite sur la base de la première, hors de la présence du modèle, entre le 4 et le 7 juin. Van Gogh écrit à sa soeur à propos de ce tableau :

"J'ai fait le portrait de M. Gachet avec une expression mélancolique, qui pourrait bien paraître une grimace à ceux qui le verraient... Tristes mais doux, mais clairs et intelligents, voilà comment devraient être faits beaucoup de portraits... Il y a des têtes modernes qu'on peut regarder longtemps, et sur lesquelles on pourra peut-être revenir avec nostalgie cent ans après".

Van Gogh réside à l'auberge Ravoux, dans une minuscule chambre. Durant son séjour à Auvers qui durera 70 jours (il peindra plus de 75 tableaux) il retrouvera le docteur une douzaine de fois, ils se découvrent un goût et des admirations communes. Le docteur qui avait pourtant vu les plus grands artistes de près, est subjugué par le talent de Vincent. Un des premiers tableaux que Van Gogh montre au docteur Gachet est "l'Eglise d'Auvers-sur-Oise", démonstration de force de couleur (le bleu sera la couleur dominante de ses tableaux d'Auvers) et de composition.

Vincent van Gogh tente finalement de se suicider le 27 juillet 1890 dans un champ et meurt de ses blessures 2 jours plus tard.

Paul Louis Gachet restera obsédé jusqu'à son dernier souffle par Vincent Van Gogh. Son père lui avait appris les bases du dessin et de la peinture et lui faisait copier les chefs-d'œuvre en sa possession. Il aura du mal à exister sur le plan artistique étouffé par l'héritage prestigieux qui lui avait échu. Il devint pourtant meilleur peintre que son père et exposa plusieurs fois au salon de Pontoise.  

Le docteur Gachet meurt le 9 janvier 1909, Paul Louis développe un penchant misanthrope et dédie sa vie à Vincent Van Gogh. A partir de 1920 il vit dans la maison d'Auvers avec son épouse et Marguerite, sans changer quoi que ce soit à ce que son père lui avait laissé. Après la seconde guerre mondiale il ferme sa porte aux journalistes, chercheurs, historiens, photographes, écrivains, à l'exception de quelques personnalités japonaises. Sa femme meurt en 1948 et Marguerite en 1949. Il reste seul avec ses trésors : la maison abrite une collection impressionniste fabuleuse dans laquelle se trouve une vingtaine de Van Gogh.

Paul Louis n'ayant pas d'enfants  fit don de la collection au Musée du Louvre. Les derniers mois de sa vie, c'est sa demi-sœur Lisette, installée dans le village qui lui apporta quotidiennement la soupe, le pain et un peu d'affection. Paul Louis décède en 1962. Il est enterré avec son père, sa mère et sa soeur.

Merci à Minna Kokko, amie et médiatrice-conférencière à la "Maison du docteur Gachet", qui  a fait revivre cette maison, pour notre petit groupe, avec beaucoup d'enthousiasme et d'érudition.

Maison du Docteur Gachet - 78 rue Gachet - Auvers-sur--Oise

Fermée à partir du 3 Novembre - Ouvrira le 29 mars 2025

L'exposition s'est terminée le 21 Janvier 2024, mais elle est présentée actuellement et jusqu'au 9 juin  à la Fondation de l'Hermitage à Lausanne.

Nicolas de Staël  nait à Saint Pétersbourg le 23 décembre 1913. La veille de Noël il est baptisé dans la cathédrale ou repose les Tsars, tel un prince. Son père, Vladimir de Staël est vice-commandant de la forteresse Pierre et Paul à Saint Pétersbourg, fonction prestigieuse. Veuf  et père de deux garçons (14 et 20 ans), il  épouse en seconde noce, en 1911 à 58 ans, Lubov Berednikov, 36 ans, divorcée, indépendante et cultivée. Il nait de cette union une petite fille Marina, puis Nicolas et Olga.  

Le 8 mars 1917, la révolution éclate, la forteresse du général Vladimir tente de contenir la tempête, mais Saint Pétersbourg est en flamme. La famille fuit, Nicolas a trois ans et demi. Après de longues démarches, ils obtiennent la nationalité Estonienne et en 1920 ils passent en Lituanie puis en Pologne où le général s'éteint en 1921 et Lubov en 1922. Les trois enfants sont recueillis par une amie de Lubov qui les confie rapidement à une famille  riche de Bruxelles  les Fricero .

Nicolas fréquente deux collèges à Bruxelles, puis l'Académie des Beaux Arts de Saint Gilles avec pour professeur de Vlaminck. En 1934 de Vlaminck lui ouvre les portes de son atelier à Schaerbeek et le fait participer  à une fresque sur l'artisanat du verre pour l'exposition universelle de 1935.

En 1935,  Staël parcourt la Catalogne, l'Andalousie, l'Espagne puis en 1936 le Maroc ou il rencontre Jeannine Guillou, peintre, et son fils Antek  âgé de cinq ans. L'hiver 1938 ils sont à Paris ou Nicolas s'inscrit à l'Académie d'Art contemporain dirigé par Fernand Leger, mais durant des années Jeanine sera son vrai maître.

En septembre 1939  Staël s'engage dans la Légion étrangère, il est démobilisé en septembre 1940.

Les années de guerre sont dures, malgré cela Jeannine donne naissance à une petite fille Anne en février 1942, cette paternité conduit  Staël à une nouvelle réflexion sur la peinture : il se tourne vers le portrait mais détruit autant qu'il créait. Les années suivantes le couple se débat dans des difficultés financières et Jeannine est en mauvaise santé. Elle décède, contrainte d'avorter, le 27 février 1946 à la Clinique Baudelocque.  Staël étouffe son malheur en congédiant son passé. Le 22 mai 1946 il épouse Françoise Chapouton, ils auront trois enfants.

1950 voit les premiers gages de réussite avec une exposition à New-York en compagnie de Bazaine, Lanskoy, Estérel, Hartung et Lapicque.  Staël y accroche trois toiles. Puis le succès vient en France  et vide les réserves de son atelier. Le MAM lui achète "Composition". Il rencontre René Char qui le convie au milieu des grands maîtres de la peinture du siècle et lui confie la création de bois gravés pour un livre de poèmes. 

En 1952 de Staël achète une maison dans le Lubéron, le Castelet. Il peint les couleurs du Midi et en 1954 il expose chez Paul Rosenberg, c'est un très grand succès commercial.

En 1953, il tombe amoureux de Jeanne Polgue-Mathieu. Il l'emmène avec une amie de René Char, Ciska Grillet, et toute sa famille pour un périple en Italie, Sicile et Toscane. Jeanne est mariée et réside près de Nice. Pour être plus près d'elle le peintre loue un appartement-atelier à Antibes où il vit seul. Il travaille comme un fou, il abandonne les couteaux et les spatules pour du coton ou des tampons de gaze pour étaler la couleur. En Octobre 1953 il fait un voyage en Espagne et au Prado pour voir les toiles de Vélasquez. Mais bien vite il retourne à Antibes, la passion le dévore. Il se sépare définitivement de Françoise.

Au début du mois de Mars 1955, Staël déambule toute une nuit dans Paris avec Antek (il a toujours eu des rapports excellents avec lui) et lui confie "Je ne sais pas si je vais vivre longtemps, je crois que j'ai assez peint. Je suis arrivé à ce que je voulais" Ce dernier mois il a réalisé 350 peintures. 

Il dessine pour son ultime tableau "Le Concert", il tend lui-même la toile sur le châssis et la couche au sol. Il applique un fond rouge écarlate à larges coups de brosse et commence à poser le noir pour le piano.

Le 15 mars 1955,  Staël brûle sa correspondance, met de côté les lettres de Jeanne, en fait un paquet et va l'offrir à son mari en lui disant "vous avez gagné'. Puis ce même jour, il peint l'énorme contrebasse ocre puis pose les blancs, riches, rutilants, crémeux.

Le 16 mars il continue de brûler des correspondances, écrit à son marchand Dubourg, à son ami Jean Bauret et une troisième lettre pour sauvegarder les intérêts d'Anne sa fille.

Il sort vers 22 h de son atelier, monte sur la terrasse de l'immeuble et se précipite dans le vide.

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Magnifique exposition présentant 200 tableaux, dessins, gravures de façon chronologique, la vie de Staël ne pouvant être séparée de son œuvre. Il cherche sans cesse, oscille entre figuration et abstraction, expérimente, la matière épaisse devient fluide, il change d'outils, de technique, passe du petit tableautin au format monumental. Et nous suivons cette quête riche et complexe, qui n'aura durée qu'une douzaine d'années, avec émerveillement.

Le 25 Février 1970, dans son atelier de la  69e rue, Rothko, séparé de sa femme Mell, malade (un anévrisme de l'aorte) mais n'ayant renoncé ni au tabac ni à l'alcool,  absorbe une dose importante de neuroleptique puis se tranche les veines.                                                     "L'œuvre une fois accomplie, retire-toi" dit Tao.

Marcus Rothkowitz est né le 25 Septembre 1903 à Dvinsk (désormais Daugavpils en Lettonie), où son père est pharmacien. Dvinsk est une jolie ville aux maisons en bois peintes en couleurs.  En 1913 face aux persécutions, la famille migre vers le nouveau monde. D'abord le père avec les deux aînés, puis Marcus avec sa sœur et sa mère. Douze jours de mer pour arriver à Ellis Island et d'autres de terre pour aller jusqu'à Portland dans le Maine. Pour un enfant de dix ans c'est une rupture qui ne peut que marquer sa vie, il emporte avec lui son éducation talmudique et les souvenirs des violences antisémites. A peine arrivé son père décède. 

Rothko fait ses études à la Lincoln Hight School à Portland puis à l'université de Yale, s'intéresse à la philosophie, aux mythes, enseigne la peinture aux enfants. 

En 1932, il se marie à Edith Sachar, depuis les années 30 il est en pleine crise de création, il cherche à concilier plénitude et effacement. La religiosité est en lui, non dans le sens pratiquant d'un culte, mais  pour "regarder au delà du cadre visible, dépasser les limites de la matérialité". Il délaisse la peinture pour écrire un livre "La réalité de l'artiste".

Divorcé d'Edith, en 1945, il rencontre Mell (Mary Alice Beistle) qui soutient ses recherches picturales. Dans ses tableaux les figurent s'effacent, le fond prédomine. Sa mère meurt en 1948 et c'est vers la fin de cette année que Rothko commence à peintre ses rectangles de couleurs. Vient la reconnaissance. 

En 1950 il voyage en Europe avec Mell, Londres, Florence où il est admiratif devant les peintures murales de Fra Angelico au cloître de San Marco. 

Les expositions se succèdent, ses peintures commencent à valoir une petite fortune, mais ses amitiés d'artistes s'effritent. Le succès créait des jalousies... et la solitude.

En 1958 il reçoit une commande pour un restaurant de haut de gamme le "Four Seasons" à l'intérieur d'un building flambant neuf New-Yorkais,  la "Tour Seagram". D'abord enthousiaste il peint une série de panneaux dans les tons rouge, marron et noir. Après un nouveau voyage à Florence, il se demande si ce projet est bon. En rentrant il déjeune au Four Seasons et trouve le lieu trop agité, bruyant, la fréquentation huppée ne lui convient pas. Il restitue l'argent et garde ses œuvres ce qui donnera de lui l'image d'un artiste intraitable. (Les "Seagrams" deviendront des reliques sacrées réparties entre la Tate Galery de Londres, le Kawamura Memorial Museum au japon, et la National Gallery de Washington)

Une rétrospective de ses œuvres se tient au Moma en 1961.

En 1964, M. et Mme de Menil chargent Rothko de créer un espace de méditation orné de peinture. Philipp Johnson est chargé des plans d'un bâtiment  octogonal dans l'université de Saint Thomas à Houston.  L'entente s'avère difficile entre l'architecte et le peintre, Philipp Johnson se retire du projet et Rothko est seul maître. Le projet se fera hors du campus. Rothko conçoit 14 panneaux, dont trois triptyques et y travaille de 1964 à 1967 avec une pause pour un troisième voyage en Europe.

Les panneaux sont de couleur noir ou culmine du violet, ses noirs sont un appel à l'inconnu. C'est la composition de sa peinture faites de pigments secs, de polymère de synthèse, colle de peau de lapin, émulsion huile et œuf, qui donne à la matière colorée qu'on a devant les yeux sa trouble consistance.

La chapelle Houston est son sanctuaire,  il n'en verra pas l'inauguration, il meurt un an avant, tout comme Monet mourra un an avant l'inauguration des Nymphéas de l'Orangerie. 

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La première fois que j'ai vu de près des toiles de Rothko c'était au Musée Américain de Giverny l'été 2022. Dans deux salles semi-obscures, six toiles de Rothko faisaient face à six toiles de Monet. Cette exposition n'intéressait pas ce jour là la foule, qui en longue file attendait de visiter les jardins de Giverny. Nous étions donc seule, une amie et moi, dans le silence, éblouies par la lumière mystique que diffusaient les toiles de Rothko. J'ai eu ce jour là une émotion forte que je n'ai pas retrouvée à la Fondation Vuitton devant tant d'œuvres accumulées et tant de monde.   

Iris Van Herpen, créatrice de mode néerlandaise de 39 ans, présente au Musée des Arts Décoratifs une centaine de pièces de haute couture, robes aériennes qui nous plongent dans un univers organique.  Elle s'inspire de la nature pour faire surgir des créations extraordinaires et transgresse les conventions du vêtement, ouverte tout autant aux savoir-faire traditionnels qu'à l'usage des nouvelles technologies comme le laser, l'impression 3D, le thermoformage et les matériaux divers : PetG, organza de verre, papier découpé, carton mousse, tulle...

Dans chaque salle on retrouve un thème : l'eau et les rêves, la vie des profondeurs, les forces vivantes, le squelette incarné, la dynamique des structures, mythologie ténébreuse, voyage cosmique.

Le parcours est sonore et animé par des projections, entre autres le documentaire Planète Océan de Yann Arthus-Bertrand et Michael Pitiot.

Björk, Naomi Campbell, Lady Gaga, Beyoncé, Scarlett Johansson, et même la reine des Pays-Bas, osent porter le monde imaginaire d'Iris Van Herpen !

L'immersion dans cette magnifique exposition est un moment enchanteur.

Toujours un bonheur de retourner à l'Abbaye de Maubuisson, à chaque fois ce sont des découvertes impressionnantes.  Cette fois ci ce sont deux jeunes femmes, amies de vingt ans, Karin van Dam et Tanja Smeets, hollandaises. Leur pratique est analogue : elles imaginent toutes deux des formes d'apparence organique qu'elles assemblent pour faire naître des mondes imaginaires.

Les deux artistes se sont appropriées l'espace de l'abbaye avec une installation immersive : on circule dans un monde végétal qui pourtant n'est  constitué que de matériaux industriels ou de construction : laine et fil de pêche, filtres à gouttières, tricot, caoutchouc, tubes d'isolation, serres-câbles etc... 

Tanja Smeets occupe la salle du parloir, son paysage est composé d'une grande structure où des formes convexes (pour moi des champignons de tailles différentes qui flottent dans l'espace), font face à des tiges sur lesquelles s'enroulent des fils multicolores, entre deux sont disséminer des buissons gris que l'on s'attend à voir rouler comme les boules errantes (tumbleweed) du désert. 

Dans le passage, Tanja Smeets a recouvert le mur de petits disques en plastique accrochés les uns aux autres qui forment une dentelle de fleurs blanches grimpantes qui se développent des fondations vers le jardin, comme attirées par la luminosité.

Karin van Dam occupe la salle des religieuses, c'est là que les moniales réalisaient leurs travaux de couture, broderie, filage de laine ou dentelle au service de l'Eglise. On retrouve l'esprit du lieu avec les grandes œuvres circulaires  réalisées en laine et nylon, et les suspensions de perles noires en tricot   dont certaines  vont et viennent dans l'espace en un mouvement répétitif.

J'ai aimé cette forêt végétale mystérieuse et envoutante : entre les lianes noires et les gigantesques sculptures qui  ressemblent à  des lames de champignons, je me suis laissée emporter par une rêverie enchantée.

J'ai beaucoup admiré ce travail mystérieux et envoutant, ainsi que l'osmose entre les deux artistes amies qui donne une grande cohérence à l'ensemble des installations.

Merci à mon amie Irène de m'avoir accompagnée à cette exposition.

Jusqu'au 25 Février 2024

Abbaye de Maubuisson

Avenue Richard de Tour

SAINT OUEN L'AUMONE (95)

Si il y a une exposition à ne pas manquer (elle était en discussion depuis plus de dix ans avec le Centre Pompidou) c'est bien celle de Gérard GAROUSTE, trente ans après celle qui lui fut consacrée en 1988.

Dans les années 1980 Gérard GAROUSTE connait un grand succès, surtout à l'international, sous l'impulsion du renouveau figuratif qui souffle sur la peinture. En France on l'expose parce qu'il est soutenu par la Galerie Templon, mais la critique est attachée au statut de l'avant garde et considère que la peinture est fini. Pourtant en France et en Europe la peinture existe, et sur la scène internationale ce sont les œuvres contemporaines figuratives qui se vendent le plus cher. 

"C'est assez amusant, confie-t-il, car aux yeux de ce bon chic bon genre Français, je passe pour un artiste pompier ! Moi personnellement, d'arrière-garde ou d'avant-garde, pompier ou pas, je m'en fous complètement  ce qui compte, c'est la peinture !"

Allez prendre un bain de peinture, dans un univers de contes, légendes et mythes religieux. Côtoyez Pinocchio, Don Quichotte, Kafka, la Bible, les Saints, les martres et les ânesses, frustrés comme moi de ne pas déchiffrer toutes les clés de ces immenses toiles parfois inquiétantes. 

Il y aurait tellement à dire sur Gérard GAROUSTE, l'homme me passionne, ses toiles me fascinent, que je ne peux pas  réduire en quelques lignes ou avec des dates clés la vie de ce grand peintre contemporain. Lisez "L'intranquille" passionnant  "Autoportrait d'un fils, d'un peintre, d'un fou" et "Vraiment peindre" entretien  avec Catherine Grenier, vous serez peut-être comme moi conquis et émus.

Au centre de la rétrospective apparaît une grande installation circulaire, "La Dive Bacbuc" . Le spectateur voyeuriste regarde au moyen d'une lunette à l'intérieur de l'installation chacune des douze saynètes peintes en hommage à Rabelais. Regard fragmentaire sur  une œuvre d'art.

1998 - Huile sur toile et structure en fer battu 285 x diam 752cm

Autour de l'installation quatre pièces monumentales (Les Indiennes, La Dive Bacbuc, Ellipse et Les Saintes Ellipes) ensemble de toiles montées sur une structure conçue par Garouste, réalisées entre 1987 et 2003,  présentées à la Fondation Cartier en 2001 et dans la cour vitrée des Beaux Arts en 2018

Exposition jusqu'au 2 Janvier 2023

CECI N'EST PAS UN CORPS

Le titre de cette exposition fait référence à l'œuvre de Magritte "Ceci n'est pas une pipe" questionnant le rapport de l'art à la réalité.

La représentation du corps humain, et la recherche du réalisme n'est pas nouveau dans l'art, la préhistoire s'y attachait déjà avec la Venus de Willendorf (23000 ans avant JC)

ou la Déesse de Catal Höyük (7eme millénaire). 

La sculpture grecque antique obsédait les artistes qui voulaient représenter un  corps parfait 

Apoxyomène de Croatie - IVè siècle avant JC ( article sur Voir ou revoir)

Aujourd'hui reconnu comme chef d'œuvre, l' Age d'Airain de Rodin, au XXe siècle, provoqua un scandale, Rodin étant accusé de moulage sur le modèle, le corps "idéal"  étant tellement vraisemblable.  

C'est dans les années 1960, aux Etats-Unis que le mouvement "Hyperréaliste" voit le jour. Le plâtre moulé sur  modèle vivant n'est plus un scandale, Duane Hanson, John Deandrea, George Segal (voir œuvres ci-dessous),sont lassés de l'abstraction qui domine aux Etats-Unis.

Ces pionniers utilisent des techniques traditionnelles tel le moulage, le modelage, l'application de peinture polychrome, pour créer une image humaine saisissante de vérité. Les œuvres reproduisent au plus vrai des personnages non idéalisés représentant le société américaine, âgés, obèses, nus ou habillés, avec parfois des accessoires. Les générations suivantes d'artistes poursuivront dans cette voie avec leur propre langage.

Le musée Maillol présente une quarantaine de sculptures, condensé du mouvement. Les origines variées des artistes soulignent le caractère international de celui-ci.

Saisissantes, impressionnantes, parfois dérangeantes, j'ai aimé le travail artisanal, artistique, et minutieux qui mène à ces corps remarquables de réalisme. Je n'ai toutefois pas éprouvé une réelle émotion, hormis pour Embrace de Marc Sijan, et un intérêt particulier pour la sculpture cinématographique de Glaser/Kunz.

A vous de voir sur place ce que vous ressentirez. Vous pouvez aussi participer à un évènement exceptionnel , les 10, 11 et 17 novembre le Musée Maillol accueillera des groupes de visiteurs entièrement nus à 19h30, 20h15 et 21h.

Exposition jusqu'au 5 mars 2023

GLASER/KUNZ - Jonathan -

Sculpture cinématographique ,Vidéo et sculpture, boucle de 20 minutes - Aluminium, fauteuil roulant, écouteur, journal, projecteur, lecteur et enceinte, 2009

Vous pouvez retrouver Ron MUECK : ICI

et George SEGAL : ICI

Photos Exposition M.Pellevillain - Image de couverture : Mathilde Heijne 1999 - Ne me quitte pas Mathilde Mathilde

Cette exposition  se déroule en même temps que celle de Simon Hantaï, elle présente cinq artistes contemporains dont le travail quitte le support du tableau pour évoluer directement sur les murs ou se déployer dans l'espace. J'ai particulièrement retenu le travail de Sam Gilliam, né en 1933 au USA, décédé le 25 juin quelques jours avant ma visite ; et celui de Katharina Grosse  née en Allemagne en 1961. Les trois autres exposants étant Steven Parrino, Megan Rooney et Niele Torini. 

SAM GILLIAM

Très surprenante et impressionnante mise en scène de grands draps colorés, noués en plusieurs points et suspendus entre sol et mur. Chatoyantes et vibrantes, les toiles ont été peintes au sol ;  la technique employée par Sam Gillian consistait à répandre largement les pigments acryliques dilués, puis à tamponner, frotter presser avec des chiffons et des pinceaux et cela sur les deux faces. Lorsque la toile était bien imbibée Gillian la plissait la froissait, l'enroulait avant de la laisser sécher.

D'abord surprise, j'ai finalement été envoutée par les drapés et les couleurs. 

cliquez pour agrandir les photos

KATHARINA GROSSE

Impressionnant également d'entrer dans l'univers de Katharina Grosse où la couleur, au cœur de son travail,  inonde sol mur et plafond. On s'immerge alors dans un monde inconnu enchanté et enchanteur. Nul besoin d'un grand discours...il suffit de regarder et de rêver.

L'EXPOSITION DU CENTENAIRE

C'est toujours un grand bonheur de redécouvrir le grand voilier de Franck Gehry amarré avenue du Mahatma Gandhi à Paris.  Un ciel merveilleusement bleu le rendait encore plus éblouissant. 

Les galeries, étrangement désertes en ce mercredi 29 juin, mettent en valeur les  toiles impressionnantes de Simon Hantaï . Les cent trente peintures de ce maître de l'abstraction sont magnifiquement mises en scène, c'est spectaculaire, mais mon œil est-il vraiment séduit ? Hantaï voulait-il, comme Marcel Duchamp, échapper à "l'art rétinien" ?

Les premières galeries sont réservées aux œuvres de 1957 à 1959.  Tout à fait différentes des pliages, elles vibrent d'écritures illisibles, ou travaillées en couches superposées, effacées en petites touches au moyen d'une lame apposant-enlevant (comme sur Galla Placidia). On découvre aussi un petit pliage de 1950. J'ai particulièrement admiré cette période.

En 1960, Hantaï revient à la méthode des pliages ; il travaille d'une façon répétitive qui tient de l'artisanat. L'artiste expérimente sans cesse, produisant de grandes séries : les "Mariales", les "Catamurons", les "Panses", les "Meuns", les "Blancs", les "Tabulas". Il plie, froisse, noue, peignant ce qui reste visible de la surface. Il ne contrôle pas l'aspect de ses peintures : "Je peins à l'aveugle, à tout hasard, jetant le dé".

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Le jour de ses 30 ans, Simon Hantaï  dépose un petit tableau devant la porte d'André Breton. Il le retrouve un peu plus tard en vitrine de la Galerie l'Etoile Scellée aux côté d'un Marcel Duchamp. Ce sera le début d'une belle amitié. André Breton lui dédie une exposition dès janvier 1953.

A 60 ans Simon Hantaï est célèbre et reconnu. Il représente la France à la Biennale de Venise. C'est à la suite de cet évènement qu'il décide de se retirer de la vie publique, insatisfait de l'accueil qui a été réservé à son travail. Le système n'est pas pour lui. Il fera quelques apparitions discrètes et dans les années 90 il produira les "Laissées".  

Simon Hantaï est né le 7 décembre 1922 à Bia, proche de Budapest en Hongrie. Il décède à Paris, le 12 septembre 2008.

EXPOSITION jusqu'au 29 août 2022 - A voir également à la Fondation "La couleur en fugue" dont je vous parlerai dans un prochain article.