expositions a paris

Un regard vers Notre Dame en sortant de la station Saint Michel avant de me rendre à  la Monnaie de Paris (bâtiment  construit de 1771 à 1775 par Denis Antoine, architecte) qui occupe une surface de 12.000m2 quai Conti. La Monnaie de Paris est la plus ancienne institution française et l'une des plus vieilles entreprises du monde toujours en activité, elle a été fondée en 864 par Charles II le Chauve. Depuis 1973 la monnaie est fabriqué dans l'usine de Pessac à Bordeaux. 

La Monnaie de Paris abrite des expositions temporaire, celle de Maurits Cornelis Escher depuis le 15 novembre 2025,  se termine le 1er mars 2026.

Cette exposition est une première à Paris, elle a auparavant circulé dans la monde, séduisant des millions de spectateurs peut-être plus attirés par la scénographie ludique, les modules interactifs permettant de manipuler pavages et structures géométriques que par les gravures en elles-mêmes. Il fallait rendre l’œuvre accessible à tous et tous sont là ! J’ai traversé les salles bruyantes aux lumières mouvantes en fermant à demi les yeux.

Jusqu’à ce jour je ne connaissais Maurits Cornelis Escher que par les livres. Cet immense graveur, né  en 1898 à Leeuwarden aux Pays-Bas, est apparu au public dans les années 1960, grâce au mouvement hippie aux États-Unis qui s'appropria ses œuvres dans une optique psychédélique ; il ne vivait jusqu’à cette époque que de commandes d’affiches, d’ex-libris ou d’emballages de chocolat.

Dessinateur talentueux, manipulateur de formes, prestidigitateur jouant de la perspective et des points de vue, les images d’Escher nous entraîne dans son monde onirique ou le graphisme défie la logique et la gravité. Son style unique et original explore les thèmes des constructions impossibles, des pavages et des métamorphoses.

Au-delà des extraordinaires images,  j’ai ressenti une grande admiration pour le graveur dont la technique est exceptionnelle. Escher maîtrisait le xyloglyphie, la xylographie, la linogravure (il imprimait à la main), la lithographie et la manière noire.   

Ne manquez surtout pas de visualiser le documentaire remarquable que j’ai intégré en bas de l’article et qui nous fait comprendre les sources d’inspirations d’Escher, connaître sa vie et son entourage, le voir travailler.

M.C. Escher fait ses études à l’Ecole d’architecture et des arts décoratifs de Haarlem, son professeur Samuel Jessurun de Mesquita (qui mourra avec sa femme à Auschwitz) l’encourage à se tourner vers les arts graphiques. M.C Escher s’installe à Rome 1923 à 1935, période où il commence à exposer ses œuvres, notamment lors de sa première exposition personnelle au Palazzo Venezia. En 1924 il épouse Giuletta "Jetta"Umiker.

Escher visite deux fois l'Alhambra de Grenade, mais c’est lors de son deuxième séjour, en 1936, que sa fascination pour les décorations mauresques s'avère décisive.  Il s’intéresse particulièrement aux pavages.  Ces pavages sont à la base des cycles des métamorphoses. Escher crée un monde dans lequel différentes figures donnent lieu à des transformations de formes abstraites en formes animées et vice versa, passant sans transition de l'une à l'autre dans une métamorphose continue.

En 1941 il s’installe à Baarn aux Pays-Bas. En 1954 ses estampes sont exposées au Congrès international des mathématiciens à Amsterdam, et marque le début d’un dialogue avec la communauté scientifique.

En 1970 il emménage à la maison de retraite Rosa Spier Huis à Laren et décède à l’hôpital de Hilversum le 27 mars 1972, à 73 ans.

Au cours de sa vie, M.C. Escher réalise 448 lithographies et gravure sur bois, et plus de 2 000 dessins et esquisses^[], ainsi que des illustrations de livres, des tapisseries, des timbres et des œuvres murales.

Photos © et texte selon differentes sources  MP

Rappel succinct des techniques citées dans l'article

Impression en relief : c'est la surface qui est encrée au moyen d'un rouleau

Gravure sur bois de fil ou Xyloglyphie - la planche est coupée longitudinalement dans le sens de la pousse de l'arbre.  On travail au canif ou à la gouge

Gravure sur bois de bout ou Xylographie - le tronc d'arbre est tranché perpendiculairement au fil du bois, mettant au jour les cernes concentriques formés au fil des ans.  On utilise surtout la partie centrale du tronc où les fibres sont plus denses. On travail avec des burins.

Linogravure : s'exécute sur des planches de linoléum. On creuse avec des gouges creuses en U ou en V

Impression en creux :  ce sont les creux qui sont encrés

(Pointe sèche, burin, eaux forte) et  Manière noire - On éclaircit certaines zones d'une planche de cuivre ou de laiton préalablement rendue noire en la grainant avec un outil appelé "berceau", avec un grattoir et un brunissoir.

 Impression à plat :

Lithographie - la planche est une pierre lithographique. Le dessin est réalisé avec un médium gras qui retient l'encre d'impression grasse elle aussi, tandis que les parties qui doivent rester blanches sont imbibées d'eau et refusent donc l'encre.

La peintre contemporaine britannique Bridget Riley, née à Londres en 1931, produit depuis plus de soixante-cinq ans des œuvres visuelles dynamiques qui donnent l'impression de mouvement, et de vibration. Ces excitations visuelles nous placent en situation instable, entre plaisir et déplaisir, plongé dans une sensation de vertige proche de certains états d’ivresse légère. L'œuvre de Bridget Riley s’inscrit dans le mouvement Op’art.

L’exposition qui s’est terminée le 25 janvier au Musée d’Orsay (je l’ai vu le 23) comportait peu d’œuvre mais était particulièrement intéressante par la mise en lumière de l’influence  exercée par Georges Seurat sur la démarche artistique de Bridget Riley. Le point de départ, la copie que fait Brigitte Riley en 1959 du « Pont de Courbevoie » de Seurat ou elle s’exerce à la juxtaposition des couleurs pour créer des effets optiques.

Le pop art, l’art cinétique et l’art conceptuel ont émergé dans les années 1950-1960, Bridget Riley subit aussi l’influence de ces mouvements contemporains qui invitent le public à redéfinir sa relation à l’œuvre d’art. Elle est alors inspirée par Vasarely « père de l’art optique », mais aussi par le « Futuriste » Giacomo Balla. Je retrouve également dans ses œuvres Sol Lewit représentant de l’art conceptuel.

J’ai été très intéressée par la confrontation entre ces deux peintres, impressionnante dans la salle où se trouvait « Le Cirque » de Seurat.  Seurat, inventeur du procédé pointilliste ou divisionniste, portait l’abstraction des mouvements qui apparaitront soixante ans plus tard, et pourquoi pas des pixels inventés en 1957 par Russell A. Kirsch !

L'exposition s'est terminée le 21 Janvier 2024, mais elle est présentée actuellement et jusqu'au 9 juin  à la Fondation de l'Hermitage à Lausanne.

Nicolas de Staël  nait à Saint Pétersbourg le 23 décembre 1913. La veille de Noël il est baptisé dans la cathédrale ou repose les Tsars, tel un prince. Son père, Vladimir de Staël est vice-commandant de la forteresse Pierre et Paul à Saint Pétersbourg, fonction prestigieuse. Veuf  et père de deux garçons (14 et 20 ans), il  épouse en seconde noce, en 1911 à 58 ans, Lubov Berednikov, 36 ans, divorcée, indépendante et cultivée. Il nait de cette union une petite fille Marina, puis Nicolas et Olga.  

Le 8 mars 1917, la révolution éclate, la forteresse du général Vladimir tente de contenir la tempête, mais Saint Pétersbourg est en flamme. La famille fuit, Nicolas a trois ans et demi. Après de longues démarches, ils obtiennent la nationalité Estonienne et en 1920 ils passent en Lituanie puis en Pologne où le général s'éteint en 1921 et Lubov en 1922. Les trois enfants sont recueillis par une amie de Lubov qui les confie rapidement à une famille  riche de Bruxelles  les Fricero .

Nicolas fréquente deux collèges à Bruxelles, puis l'Académie des Beaux Arts de Saint Gilles avec pour professeur de Vlaminck. En 1934 de Vlaminck lui ouvre les portes de son atelier à Schaerbeek et le fait participer  à une fresque sur l'artisanat du verre pour l'exposition universelle de 1935.

En 1935,  Staël parcourt la Catalogne, l'Andalousie, l'Espagne puis en 1936 le Maroc ou il rencontre Jeannine Guillou, peintre, et son fils Antek  âgé de cinq ans. L'hiver 1938 ils sont à Paris ou Nicolas s'inscrit à l'Académie d'Art contemporain dirigé par Fernand Leger, mais durant des années Jeanine sera son vrai maître.

En septembre 1939  Staël s'engage dans la Légion étrangère, il est démobilisé en septembre 1940.

Les années de guerre sont dures, malgré cela Jeannine donne naissance à une petite fille Anne en février 1942, cette paternité conduit  Staël à une nouvelle réflexion sur la peinture : il se tourne vers le portrait mais détruit autant qu'il créait. Les années suivantes le couple se débat dans des difficultés financières et Jeannine est en mauvaise santé. Elle décède, contrainte d'avorter, le 27 février 1946 à la Clinique Baudelocque.  Staël étouffe son malheur en congédiant son passé. Le 22 mai 1946 il épouse Françoise Chapouton, ils auront trois enfants.

1950 voit les premiers gages de réussite avec une exposition à New-York en compagnie de Bazaine, Lanskoy, Estérel, Hartung et Lapicque.  Staël y accroche trois toiles. Puis le succès vient en France  et vide les réserves de son atelier. Le MAM lui achète "Composition". Il rencontre René Char qui le convie au milieu des grands maîtres de la peinture du siècle et lui confie la création de bois gravés pour un livre de poèmes. 

En 1952 de Staël achète une maison dans le Lubéron, le Castelet. Il peint les couleurs du Midi et en 1954 il expose chez Paul Rosenberg, c'est un très grand succès commercial.

En 1953, il tombe amoureux de Jeanne Polgue-Mathieu. Il l'emmène avec une amie de René Char, Ciska Grillet, et toute sa famille pour un périple en Italie, Sicile et Toscane. Jeanne est mariée et réside près de Nice. Pour être plus près d'elle le peintre loue un appartement-atelier à Antibes où il vit seul. Il travaille comme un fou, il abandonne les couteaux et les spatules pour du coton ou des tampons de gaze pour étaler la couleur. En Octobre 1953 il fait un voyage en Espagne et au Prado pour voir les toiles de Vélasquez. Mais bien vite il retourne à Antibes, la passion le dévore. Il se sépare définitivement de Françoise.

Au début du mois de Mars 1955, Staël déambule toute une nuit dans Paris avec Antek (il a toujours eu des rapports excellents avec lui) et lui confie "Je ne sais pas si je vais vivre longtemps, je crois que j'ai assez peint. Je suis arrivé à ce que je voulais" Ce dernier mois il a réalisé 350 peintures. 

Il dessine pour son ultime tableau "Le Concert", il tend lui-même la toile sur le châssis et la couche au sol. Il applique un fond rouge écarlate à larges coups de brosse et commence à poser le noir pour le piano.

Le 15 mars 1955,  Staël brûle sa correspondance, met de côté les lettres de Jeanne, en fait un paquet et va l'offrir à son mari en lui disant "vous avez gagné'. Puis ce même jour, il peint l'énorme contrebasse ocre puis pose les blancs, riches, rutilants, crémeux.

Le 16 mars il continue de brûler des correspondances, écrit à son marchand Dubourg, à son ami Jean Bauret et une troisième lettre pour sauvegarder les intérêts d'Anne sa fille.

Il sort vers 22 h de son atelier, monte sur la terrasse de l'immeuble et se précipite dans le vide.

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Magnifique exposition présentant 200 tableaux, dessins, gravures de façon chronologique, la vie de Staël ne pouvant être séparée de son œuvre. Il cherche sans cesse, oscille entre figuration et abstraction, expérimente, la matière épaisse devient fluide, il change d'outils, de technique, passe du petit tableautin au format monumental. Et nous suivons cette quête riche et complexe, qui n'aura durée qu'une douzaine d'années, avec émerveillement.

Si il y a une exposition à ne pas manquer (elle était en discussion depuis plus de dix ans avec le Centre Pompidou) c'est bien celle de Gérard GAROUSTE, trente ans après celle qui lui fut consacrée en 1988.

Dans les années 1980 Gérard GAROUSTE connait un grand succès, surtout à l'international, sous l'impulsion du renouveau figuratif qui souffle sur la peinture. En France on l'expose parce qu'il est soutenu par la Galerie Templon, mais la critique est attachée au statut de l'avant garde et considère que la peinture est fini. Pourtant en France et en Europe la peinture existe, et sur la scène internationale ce sont les œuvres contemporaines figuratives qui se vendent le plus cher. 

"C'est assez amusant, confie-t-il, car aux yeux de ce bon chic bon genre Français, je passe pour un artiste pompier ! Moi personnellement, d'arrière-garde ou d'avant-garde, pompier ou pas, je m'en fous complètement  ce qui compte, c'est la peinture !"

Allez prendre un bain de peinture, dans un univers de contes, légendes et mythes religieux. Côtoyez Pinocchio, Don Quichotte, Kafka, la Bible, les Saints, les martres et les ânesses, frustrés comme moi de ne pas déchiffrer toutes les clés de ces immenses toiles parfois inquiétantes. 

Il y aurait tellement à dire sur Gérard GAROUSTE, l'homme me passionne, ses toiles me fascinent, que je ne peux pas  réduire en quelques lignes ou avec des dates clés la vie de ce grand peintre contemporain. Lisez "L'intranquille" passionnant  "Autoportrait d'un fils, d'un peintre, d'un fou" et "Vraiment peindre" entretien  avec Catherine Grenier, vous serez peut-être comme moi conquis et émus.

Au centre de la rétrospective apparaît une grande installation circulaire, "La Dive Bacbuc" . Le spectateur voyeuriste regarde au moyen d'une lunette à l'intérieur de l'installation chacune des douze saynètes peintes en hommage à Rabelais. Regard fragmentaire sur  une œuvre d'art.

1998 - Huile sur toile et structure en fer battu 285 x diam 752cm

Autour de l'installation quatre pièces monumentales (Les Indiennes, La Dive Bacbuc, Ellipse et Les Saintes Ellipes) ensemble de toiles montées sur une structure conçue par Garouste, réalisées entre 1987 et 2003,  présentées à la Fondation Cartier en 2001 et dans la cour vitrée des Beaux Arts en 2018

Exposition jusqu'au 2 Janvier 2023

CECI N'EST PAS UN CORPS

Le titre de cette exposition fait référence à l'œuvre de Magritte "Ceci n'est pas une pipe" questionnant le rapport de l'art à la réalité.

La représentation du corps humain, et la recherche du réalisme n'est pas nouveau dans l'art, la préhistoire s'y attachait déjà avec la Venus de Willendorf (23000 ans avant JC)

ou la Déesse de Catal Höyük (7eme millénaire). 

La sculpture grecque antique obsédait les artistes qui voulaient représenter un  corps parfait 

Apoxyomène de Croatie - IVè siècle avant JC ( article sur Voir ou revoir)

Aujourd'hui reconnu comme chef d'œuvre, l' Age d'Airain de Rodin, au XXe siècle, provoqua un scandale, Rodin étant accusé de moulage sur le modèle, le corps "idéal"  étant tellement vraisemblable.  

C'est dans les années 1960, aux Etats-Unis que le mouvement "Hyperréaliste" voit le jour. Le plâtre moulé sur  modèle vivant n'est plus un scandale, Duane Hanson, John Deandrea, George Segal (voir œuvres ci-dessous),sont lassés de l'abstraction qui domine aux Etats-Unis.

Ces pionniers utilisent des techniques traditionnelles tel le moulage, le modelage, l'application de peinture polychrome, pour créer une image humaine saisissante de vérité. Les œuvres reproduisent au plus vrai des personnages non idéalisés représentant le société américaine, âgés, obèses, nus ou habillés, avec parfois des accessoires. Les générations suivantes d'artistes poursuivront dans cette voie avec leur propre langage.

Le musée Maillol présente une quarantaine de sculptures, condensé du mouvement. Les origines variées des artistes soulignent le caractère international de celui-ci.

Saisissantes, impressionnantes, parfois dérangeantes, j'ai aimé le travail artisanal, artistique, et minutieux qui mène à ces corps remarquables de réalisme. Je n'ai toutefois pas éprouvé une réelle émotion, hormis pour Embrace de Marc Sijan, et un intérêt particulier pour la sculpture cinématographique de Glaser/Kunz.

A vous de voir sur place ce que vous ressentirez. Vous pouvez aussi participer à un évènement exceptionnel , les 10, 11 et 17 novembre le Musée Maillol accueillera des groupes de visiteurs entièrement nus à 19h30, 20h15 et 21h.

Exposition jusqu'au 5 mars 2023

GLASER/KUNZ - Jonathan -

Sculpture cinématographique ,Vidéo et sculpture, boucle de 20 minutes - Aluminium, fauteuil roulant, écouteur, journal, projecteur, lecteur et enceinte, 2009

Vous pouvez retrouver Ron MUECK : ICI

et George SEGAL : ICI

Photos Exposition M.Pellevillain - Image de couverture : Mathilde Heijne 1999 - Ne me quitte pas Mathilde Mathilde

L'exposition "Les Louvre Picasso" qui s'est terminée le 31 Janvier, avait pour intérêt de montrer comment les collections du Louvre ont nourri les créations de Picasso (il s'est rendu au Louvre dès ses premières visites à Paris en 1900, puis à partir de son installation au Bateau-Lavoir en 1904), et à l'inverse les échanges que Picasso a eus avec les différents conservateurs du Louvre. Un autre Louvre est "Le Louvre de papier", Picasso était collectionneur d'images d'art dans lesquelles il puisait son inspiration. Il était aussi grand collectionneur d'œuvres d'art qui feront l'objet d'une donation en 1978. Le Louvre Lens devient aussi un Louvre Picasso avec cette magnifique exposition.

"L'histoire d'un géant de l'histoire de l'art qui rencontre un autre géant, le musée du Louvre".

L'exposition s'articule en départements, tout comme le regroupement des collections au Louvre Paris, et nous fait voyager des antiquités Egyptiennes à la salle des peintures, mettant en rapport les œuvres de Picasso avec celles du Louvre.

Antiquités Egyptiennes

Picasso 1902 - Nu debout - crayon et encre

Egypte vers 1990/1870 AV JC - Bois de conifère

Ce dessin de jeunesse témoigne de l'influence directe ou indirecte de la statuaire égyptienne

Picasso 1962 - Portrait de Jacqueline - huile sur papier

Fayoun - Egypte - Portrait de femme 150/199 - 325/350 - Bois de figuier sycomore, liant à base de cire. Les portraits du Fayoun, sont des portraits peints à l'effigie du défunt. Leur dénomination renvoie à l'une des principales localité de leur découverte.

Picasso 1953 - L'Egyptienne - aquatinte au sucre sur cuivre IIe état

Moyenne Egypte - 300/99 AV JC - Sphinge - Terre cuite

Antiquités orientales

Picasso 1942 - Tête de taureau - Selle en cuir et guidon de métal

Tello - Irak - Tête de  taureau - 2600/2340 AV JC - cuivre, nacre, lapis-lazuli (Romuald Dor de la Souchère, conservateur au musée d'Antibes adresse à Picasso une carte postale de cette oeuvre)

Antiquités grecques, étrusques et romaines

Picasso  1930 - Femme debout - sapin sculpté

Etrurie - Figurine masculine 125/75 AV JC - Bronze

Picasso 1921 - La source - crayon gras sur toile

Chiusi - Urne cinéraire - terre cuite

Picasso 1921 - Trois femmes à la fontaine - sanguine sur toile

Athènes - Stèle funéraire attique - groupe familial vers 340 AV JC - marbre

Picasso 1954 - Vase zoomorphe - terre blanche décor aux engobes et incisions

Chiusi - Italie - Vase en bucchero en forme de poisson 550/520 AV JC

Picasso 1950/1951 - Canard pique-fleurs - terre cuite blanche tournée décor aux engobes couleurs

Peintre de Montediano - Vase Askos en forme de canard- terre cuite - 

Picasso 1941 - Tête de femme - Dora - Bronze

Rome - Portrait de Livie épouse d'Auguste - Basalte 30 AV JC

Sculptures

Le musée Grimaldi d'Antibes (devenu musée Picasso en 1966), a hébergé l'atelier de Picasso de septembre à novembre 1946. Picasso y côtoyait les moulages des deux esclaves de Michel Ange, L'Esclave rebelle et L'Esclave mourant, installés dans la salle d'honneur du premier étage depuis 1930. En 1964, Romuald Dor de la Souchère donna les deux esclaves à Picasso qui résidait à Mougins au Mas Notre-Dame de la vie. Ils retrouveront le chemin d'Antibes en 2007 (grâce à la bienveillance de la belle fille de Picasso, Catherine Hutin).

Picasso 1931 - dessin -  Femme nue devant une statue de l'Esclave mourant - 

Cabinet des dessins

Picasso - Trois nus - encre - Motif des trois Grâces - une même figure féminine en trois positions différentes

Picasso 1920 - Etudes de mains - Fusain, crayon conté, pastel, sanguine, estampage et essence thérebentine

Picasso 1921 - Deux mains croisés - crayon graphite sur papier

Andréa del sarto - Florence 1486-1530 - Etude de deux mains gauches jointes

Par ces autoportraits Picasso rend hommage à Dominique Ingres. De la manière du maître de Montauban il reprend  la pose rigide et la précision froide du dessin. En pleine ascension sociale il joue avec son image.

Picasso 1917 crayon sur papier

Picasso 1918 crayon sur papier

Ingres - 1824,1850-1851 ? Autoportrait - graphite sur papier calque contrecollé sur Vélin - Cet autoportrait dont on ignore la date d'exécution constitue un témoignage émouvant. Il est dédicacé à sa seconde épouse Delphine Ramel.

Picasso - 1951  Le jugement de Pâris - Encre sur papier

Picasso - 1906/1907 Buste de femme - encre et gouache sur papier

Salle des peintures

Picasso 1919 - Le Nid - gouache

François Boucher - 1763 -  La Cage dit autrefois Le Nid - Huile sur toile

Picasso - 1944 - Bacchanale - Lithographie

Nicolas Poussin - 1636 - Le triomphe de Pan

Picasso - 1907 - Odalisque d'après Ingres -  gouache, encre bleue et crayon graphite sur papier

Picasso possède une grande photographie de l'Odalisque dans son atelier

D'après Le Déjeuner sur l'Herbe de Manet

Picasso - 1960 - huile sur toile

Picasso - 1961 - Lithographie

Picasso - 1962 Fragment d'une plaque décorée - plaque en terre blanche estampée en surmoulage d'une gravure sur linoléum, et 1964 terre de faïence rouge, imprimée au tampon d'engobe noir

Picasso 1962 - L'Enlèvement des Sabines d'après Poussin - (mais aussi référence à David avec la figure du guerrier nu au bouclier) Huile sur toile  

et 1962 étude pour l'Enlèvement des Sabines - fusain sur papier

Picasso est marqué par la crise des missiles de Cuba, l'épisode fait ressurgir de sa mémoire la violence de 1898 opposant l'Espagne au USA.

Picasso - 1957 - L'Infante Marie Marguerite d'après les Ménines de Vélasquez. Plus de 60 variations exécutées en 4 mois.

Entre 1954 et 1955, Picasso exécute quinze peintures et de multiples dessins d'après "Les Femmes d'Alger" de Delacroix.

Picasso - 1917 Le Retour du baptême d'après Le Nain - huile sur toile

Louis Le Nain - Le Retour du baptême ou La famille heureuse  - 1642

Picasso et la chalcographie du Louvre

Picasso ne répondra jamais aux nombreuses demandes qui lui seront faites par la chalcographie du Louvre afin de donner ou de vendre une planche gravée susceptible  d'être exploitée par ses soins, à savoir sans signature et sans limitation de tirages.  Il y entrera malgré lui et d'une façon détournée, avec le cuivre gravé à l'aquatinte que fit, en 1930, Gaston Duchamps dit Jacques Villon de la Maternité de Picasso (1901 - vendue par Christie's en 1988 localisation inconnue).

Chalcographie du Louvre -  Voir article  cliquez 

Picasso dans l'enceinte du Louvre

Acquisition

Le portrait de Gustave Coquiot, écrivain et critique d'art français,  est la première œuvre de Picasso à avoir été acquise (et non reçue en don) par le Louvre le 6 avril 1933 (voté par 8 voix  contre 7 par la commission, cela ne s'est donc pas passé facilement).

Entre 1959 et 1966, le Louvre achète douze Picasso pour l'Orangerie (dont la Femme au chapeau blanc), à la veuve Walter.

Après la disparition de Jacqueline Picasso, en 1989, il est proposé à l'Etat des œuvres en paiement des droits de succession,  ce seront quarante dessins, vingt-quatre carnets,  deux cent quarante-sept estampes, deux sculptures, dix neuf céramiques et quarante-sept peintures qui rejoindront les musées parisiens et régionaux. 

Expositions

Entre 1965 et 2015 vingt et une expositions temporaires ont offert aux visiteurs la possibilité de découvrir dans les salles des œuvres de Picasso. La plus importante étant la célébration du 90è anniversaire du maître en 1971 dans la Grande galerie, avec huit peintures sélectionnées dans la collection du Musée d'Art Moderne. Aucun artiste n'a jamais vu ses œuvres invitées à autant d'occasions sur les cimaises du Louvre.

Ce que je vous propose ci-dessus n'est qu'une petite partie de la richesse de l'exposition, qui comporte également une énorme documentation (manuscrits, lettres, catalogues etc. ). La liste des œuvres acquises par le Louvre que je cite dans cet article est sans doute incomplète. 

On peut évidement contester les rapprochements, certains sont évidents et formels d'autres plus hypothétiques, mais cette exposition était  passionnante... et le Louvre Lens, petit frère du Louvre Paris,  est un merveilleux musée.

En entrant dans l'espace du Grand Palais Ephémère, je suis ébahie et un instant immobilisée : les grands châssis intensément éclairés m'écrasent de leurs puissances expressives et flamboyantes... je suis une toute petite chose.  Je sais que leurs sujets est l’holocauste, Anselm Kiefer continue de questionner mémoire et oubli, passé et futur :   "Qui dit que tout est mort pour nous quand notre œil s’éteignit ?  Tout s’éveilla, tout commença" - Paul Celan.    

Les dix-huit châssis immenses sont répartis sur toute la surface, accolés dos à dos deux par deux, et un dix-neuvième, huit mètres sur quinze, apparait au fond de l’espace face à l’entrée.

Le bas des tableaux est riche d’une pâte mêlant paille, tissu, cendre, verre, plomb, brulures. Il y a des bunkers, des ruines (Kiefer a recyclé certains de ses grands paysages terrestres, parfois peints il y a plusieurs années). Des bombes éclatent, des champs sont dévastés couverts de neige glacée, mais la vie commence à renaître avec les fougères, les champignons, les feuilles d’or, les éclats de laques orangées, alors que les pavots séchés nous disent de ne pas oublier.   

Kiefer rend hommage à celui qui est considéré comme l’un des plus grands poètes de langue allemande du XXe siècle. « Qu’est-ce que je peux faire pour vénérer le poète » se demande Anselm Kiefer, « utiliser mes tableaux comme une ardoise. Je voulais être une ardoise pour Paul Celan ». Alors Kiefer intègre à ses tableaux des poèmes de Paul Celan, ou des extraits, inscrits à la craie blanche sur des fonds gris.

Paul Celan a influencé fortement l’œuvre de Kiefer. Né en Roumanie à Cernauti (aujourd’hui Tchernivtsi, en Ukraine), poète de l’horreur, son œuvre est marquée par l’Holocauste. Ses parents déportés dans un camp de Transnistrie en 1942, meurent, son père du typhus, sa mère d’une balle dans la nuque. Il est lui-même interné dans un camp de travail en Moldavie et sera libéré par les Russes en 1944. Paul Celan s’est suicidé en se jetant dans la seine depuis le pont Mirabeau. C’était le 20 avril 1970, il avait cinquante ans.

Cette visite qui m'a fortement émue, tout comme celle de Monumenta de Boltanski en 2010, s'est faite dans  une atmosphère de recueillement :  pas un son, pas un murmure, pas un bruit de pas... le silence qui suit un cataclysme. 

Liens : Article sur Kiefer - Voir ou Revoir 2016

           Monumenta Boltanski - Voir ou Revoir  2010

Avec ce magnifique tableau de 13,3 m sur 3,8 m, Anselm Kiefer associe le titre d'un ouvrage de Madame de Staël, et une vue de l'ancien aéroport de Berlin - le Tempelhof - (pendant la Seconde guerre mondiale, Tempelhof accueille un camp de prisonniers et entre 1948 et 1949, au moment du blocus de Berlin, il est utilisé par les Américains et les Britanniques comme pont aérien pour ravitailler Berlin-Ouest).

Kiefer rappelle que le Romantisme a été détourné par le régime nazi mais a aussi changé la sensibilité et la politique au-delà de ses frontières. Les champignons portent des étiquettes aux noms des grandes figures de l'époque romantique allemande. 

AVION

L'avion en plomb est un paradoxe, il ne peut pas voler. Il est criblé de pavots qui nous disent selon Kiefer : "Souviens-toi, souviens-toi, souviens-toi toujours". Le recueil de poèmes de Paul Celan "Mohn und Gedächtnis" (Pavot et mémoire) donne son nom à cette création.

Sur les ailes, les livres de plomb nous rappellent peut-être qu'il est inutile d'aller dans les airs pour s'envoler. Kiefer possède une bibliothèque considérable, c'est un lecteur assidu.

Anselm Kiefer raconte : "Ces bunkers, alignés de part et d'autre du Rhin, m'ont fasciné depuis que nous les utilisions enfants comme vestiaires avant de nous baigner dans le Rhin. Avec leurs murs épais, avec leur masse de béton, ils sont comme des archétypes d'une architecture inversée et pervertie, ils écrasent l'intérieur plutôt qu'ils ne le protègent".

En 1969 Anselm Kiefer réalise Besetzungen (Occupations), une série d'actions photographiées en France, en Italie et en Suisse. Au Grand Palais Ephémère, Kiefer, présente, enfermés dans un grand conteneur en acier, des tirages photographiques de l'action Occupations montés sur plomb.

Cette exposition s'est déroulée du 17 décembre au 11 Janvier 2022. 

J'ai découvert Georgia O'Keeffe lors d'un voyage à New-York, j'ai immédiatement été séduite par la luminosité de sa peinture et son approche personnelle et originale de représenter de façon très agrandie les petites fleurs. 

"Une fleur est généralement de petite taille. Les fleurs suggèrent toutes sortes d'associations. Vous tendez la main pour la toucher délicatement - vous vous penchez pour la sentir - vous y apposer vos lèvres sans même y penser - ou vous l'offrez à quelqu'un pour lui faire plaisir. Cependant - d'une certaine façon - personne n'a vu ce qu'était une fleur - vraiment - c'est si petit - on n'a pas pris le temps - et voir prend du temps, comme se faire des amis prend du temps. (...) Alors je me suis dit - je vais peintre ce que je vois - ce que la fleur est pour moi, mais je la représenterai à grande échelle et ceux qui la verront seront surpris de devoir lui consacrer autant de temps - je ferai en sorte que même les New-Yorkais les plus débordés prennent un certain temps pour voir comment je vois les fleurs."

Mais Georgia O'Keeffe est également une paysagiste en fusion avec la nature.

Georgia O'Keeffe est née en 1887 dans une ferme du Wisconsin. En 1905 et 1906, elle fréquente l'Art Institute of Chicago et en 1907-1908 l'Art Students League of New-York.  Son désir : exposer à la Galerie 291 créée par le photographe Alfred Stieglitz.  Par l'intermédiaire de son amie Anita Pollitzer,  elle soumet à  Stieglitz une série de dessins au fusain. Elle est exposée en 1916 avec un groupe de peintre et, jusqu'à sa mort en 1946, Sieglitz lui consacrera chaque année une exposition. Ils se marient en 1924, s'épaulent dans leur art respectif. Stieglitz fera plus de 350 portraits de Georgia, et Georgia pourra rencontrer des artistes du cercle d'amis de Stieglitz.

Ils partagent leur temps entre New-York et Lake George, dans l'état de New-York. Georgia peint les buildings de Manhattan et les granges de Lake George.

Quelques années après son séjour au Nouveau Mexique en 1929, Georgia fait l'acquisition du Ghost Ranch, une maison isolée entourée de déserts. Le pays la fascine, elle tombe amoureuse des montagnes arides qu'elle peint  aux couleurs de ses humeurs, qu'elle humanise en insistant sur leurs reliefs faits de plis et de rides. 

Les années 1950-1960 sont marquées par la simplification, l'abstraction. Ses voyages en avion dans le monde entier, en Extrême-Orient, en Inde, en Asie du Sud-Est, et en Europe, lui inspirent ses dernières séries, vues aériennes de rivières et vastes peintures du ciel vu juste au dessus des nuages.

"C'est stupéfiant de s'élever au-dessus du monde où l'on a vécu. Et de le regarder en bas s'étirer encore et encore (...) Le monde est si beau et si simplifié, et si clairement découpé, comme le temps et l'histoire simplifieront et rectifieront cette époque qui est la nôtre"

Son état de santé et sa cécité l'empêcheront de travailler les deux dernières années de sa vie. 

Elle décède en 1986 à 98 ans ans, ses cendres ont été dispersées dans le désert du Nouveau-Mexique qu'elle aimait tant.

EXPOSITION JUSQU'AU 6 DECEMBRE 2021

et si vous avez le temps ... deux vidéos très intéressantes

VICTOR HUGO – 1802 Besançon/ 1885 Paris

En 2002 se tenait à la Bibliothèque François Mitterrand une grande exposition « Victor Hugo l’homme océan ». Je découvrais alors ses dessins, une des facettes de ce génie poète, dramaturge, romancier, homme politique. Ce titre, que Victor Hugo avait inventé à l’occasion du jubilé de William Shakespeare pour désigner une lignée des génies qui ont fait les flux et les reflux de la pensée humaine, lui était réattribué : tout comme Shakespeare, seul l’océan était à la mesure de son œuvre.

On retrouve l’océan dans ses dessins avec des navires luttant contre le courant (Hugo compare sa destinée à celle d’un bateau dans la tourmente). L’énorme et belle vague à l’encre brune « Ma destinée » qui porte un navire pourrait avoir en sous-titre une phrase du discours que Victor Hugo fait « Aux marins de la Manche » : « et je fais mon devoir, pas plus ému de la haine que vous de l’écume ».

L’envoutement de Victor Hugo pour la mer ne cessera jamais, surtout durant son long exil à Jersey et Guernesey de 1852 à 1870, et au cours des années de la rédaction des « Travailleurs de la mer ». Il réalisera des dessins puissants et de nombreux petits croquis à la plume.

Son devoir, l’abolition de la peine de mort, le poursuivra toute sa vie. Une telle conviction n'était pas seulement de la pure raison.  Il avait été marqué dans l’enfance, en 1812, lors de son retour d’Espagne en France, par la vision d’un homme terrorisé,lié sur un âne dos tourné vers la tête de l’animal, que l’on menait à l’échafaud. Adolescent, à Paris place du Palais de Justice, il avait vu le bourreau marquer au fer rouge une jeune fille condamnée pour vol domestique : « J’ai encore dans l’oreille, après plus de quarante ans, et j’aurai toujours dans l’âme le cri de la suppliciée. Pour moi c’était une voleuse, ce fut une martyre. Je sortis de là déterminé – j’avais seize ans - à combattre à jamais les mauvaises actions de la loi. »

De ces visions naît son sublime roman « Dernier jour d’un condamné », réquisitoire contre la peine de mort paru en 1829.

Son devoir, à la Chambre des pairs où il est entré en 1848, il intervient contre la peine de mort, dans le débat sur les prisons, sur la propriété des œuvres d’art, sur la défense du littoral, la pauvreté, le droit des enfants : « ne laissez pas exploiter les enfants par les hommes ».

En Mai 1851 son fils Charles, publie dans « L’évènement » un article abolitionniste à la suite de l’horrible exécution de Claude Montcharmont, braconnier condamné pour avoir tué un gendarme qui était à sa poursuite. Charles écope de six mois de prison malgré l’éloquence de Victor Hugo. Un mois plus tard une pétition circule dans Paris pour l’abolition de la peine de mort.

En 1854 Tapner, criminel guernesiais est exécuté. Hugo voyant que ses écrits ne font pas progresser son combat, revient à la charge avec quatre grands dessins de pendus.

Je retrouve, en ce mois de juillet, un grand dessin de pendu à la Maison de Victor Hugo, place des Vosges à Paris, pour l’exposition « Dans l’intimité d’un génie ».  Le musée conserve sept cents feuilles parmi les quatre mille dessins laissés par Victor Hugo. Ces œuvres sont fascinantes et d’une grande modernité, certains dessins deviennent abstraits lorsque Victor Hugo utilise les taches, les projections d’encre ou les coulures.  L’exposition en comporte cent vingt des périodes différentes de la vie de l’artiste inspiré par les personnes qui l’entourait, on retrouve aussi sa complicité avec Juliette Drouet chez qui il réalisa ses plus grands dessins en 1850 et qui fut souvent la première spectatrice.

Victor Hugo peint avec des lavis d’encre brune parfois très diluée qu’il associe à des traits de plume. Il ajoute des rehauts de gouache et de craie blanche, mais aussi de pigments, de crayon lithographique ; il utilise des grattoirs et des écrans solubles, ce qui aboutit à une superbe matière.

Ses sujets sont habités par le rêve. Ruines, villes désertes, châteaux forts (burgs), sont des visions vaporeuses surgies de la dilution de l’encre. C’est l’âme d’un poète qui s’exprime et sa main trace aussi merveilleusement les mots que les taches brunes.  Victor Hugo visionnaire, sa longue lutte pour l’abolition de la peine de mort n’aura gain de cause qu’en 1981. Peut-être également visionnaire en dessinant en 1850 le champignon énorme qui fit dire à Juliette Drouet : « Je finis de faire sécher au soleil ton terrible champignon qui fait frémir rien qu’en le regardant ». Il me fait frémir également, démesuré par rapport au paysage il ressemble à une explosion atomique.  

L’exposition présente quelques carnets de dessins. C’est une pratique très en vogue à l’époque, Victor Hugo prend l’habitude de tenir des carnets dès 1821. Ses dessins de voyage, exécutés sur le motif à la mine de plomb ou à la plume, accompagnent également ses lettres et ses manuscrits. Ils sont fidèles à ce que voit Hugo et ne laissent pas de place à la subjectivité du poète.

Une salle est consacrée au « Poème de la Sorcière », ensemble de dessins caricaturaux qui a pour thème un procès de sorcière et constitue une charge contre les juges et les inquisiteurs. D’un trait vif Victor Hugo trace le portrait des juges, badauds, bourreaux, sorcières et démons, gens de foule qui assistent au supplice. Une autre facette de l’écrivain mais toujours dans le combat pour la justice et les valeurs humanistes.

"Le hasard a fait tomber sous vos yeux quelques espèces d'essais de dessins faits par moi, à des heures de rêverie presque inconsciente, avec ce qui restait d'encre dans ma plume, sur des marges ou des couvertures de manuscrits(...) je crains fort que ces traits de plume quelconques, jetés plus ou moins maladroitement sur le papier par un bonhomme qui a tout autre chose à faire, ne cessent d'être des dessins du moment qu'ils auront la prétention d'en être"

Victor Hugo à l'éditeur Castel, 8 octobre 1882 - Actes et paroles, II Pendant l'exil, 1875

Une magnifique exposition à ne pas manquer. Jusqu’au 21 Novembre 2021

Les deux compositions qui suivent n'en formaient qu'une à l'origine, Victor Hugo les scinde en deux formant une sorte de dyptique, Hic clavis a été réduite en hauteur.

Non liber monet, non gladivs servat - (Le livre n'enseigne pas, le glaive ne protège pas).

Cette représentation de saint Paul a peut-être été inspirée à Victor Hugo par la statue de l'église St Paul paroisse de la famille Hugo, c'est dans cette église que s'est mariée sa fille Léopoldine, et c'est sans doute en souvenir de Léopoldine que Victor Hugo a offert les deux grandes coquilles bénitiers que l'on peut encore voir aujourd'hui.

Hic clavis alias porta - (Ici la clef ailleurs la porte)

Le Burg à la croix - 1850 et 1871 le cadre

Crayon de graphite, plume, pinceau, encres brune et noire et lavis, fusain, rehauts de gouache blanche, rehauts d'or, zones frottées, réserves, utilisation de pochoirs sur papier beige collé sur une toile tendue sur châssis.

Cadre, gravé, peint et doré par Victor Hugo, décoré d'oiseaux, d'insectes et de fleurs et portant sur le montant droit "SPES" et en bas à droite "Victor Hugo à Paul Meurice"

C'est la plus grande œuvre en dimension de Victor Hugo, elle a été réalisée chez Juliette Drouet, elle est liée à la visite de Cologne et à l'apparition dans la brume du soir de la cathédrale.  La croix surdimensionnée est celle que le poète en exil avait sur le mur de sa chambre à Hauteville House. Après le départ en exil, l'oeuvre avait été acquise par Paul Meurice, au retour de Victor Hugo, Meurice avait voulu lui rendre. Victor Hugo avait décliné l'offre et l'avait ornée de ce somptueux cadre.

Toutes les photos MP hormis "Burg à la croix" Akg image

Il m'est apparu évident de rééditer cet article de 2010, Paris n'est pas totalement muré, mais vidé, et le travail de Nicolas Moulin rejoint l'actualité. 

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Le travail de Nicolas Moulin (né en 1970) est projeté dans une salle du sous sol du Musée d'Art Moderne.
Sur un très grand écran défilent une centaine de photos des rues de Paris. Cela pourrait être banal si ce n'est que cet artiste infographe nous offre une promenade angoissante : toutes les ouvertures des immeubles sont condamnées par des murs de bétons, les rues sont vides, ni voitures, ni enseignes, ni panneaux, ni humains, la ville est morte, ne reste de la vie que la lumière changeante et les ombres. Malgré la grandeur des projections on ne décèle pas le truquage : superbe travail inspiré et créatif. Science fiction ? Jeu  ou  désir de vouloir vider la ville du bruit et de la fureur pour s'y promener en solitaire ? 
Une fois installée dans le noir, subjuguée par les images, vues et revues, il me faudra faire un effort pour quitter la salle ....

Cette exposition se terminait le 23 février, j'ai pu la voir juste avant sa fermeture.  

Lucas Giordano est né à Taverna en 1634 dans un petit bourg de Calabre. Il suit une formation rigoureuse sous la conduite de son père Antonio, également peintre, qui l'encourage à peindre d'après des estampes notamment celles d'Albrecht Dürer, puis il fait son apprentissage auprès de José de Ribera. (José de Ribera, d'origine espagnole, s'est installé à Naples en 1616, il y renouvela la peinture  avec une facture ténébreuse ralliée au style du Caravage).

En 1653 Lucas Giordano séjourne à Rome puis s'installe à Naples  rapportant avec lui les innovations les plus récentes. Mêlant réalisme et illusion on lui doit la diffusion de l'esthétique baroque à Naples.

Il s'empare du style de Ribera et Caravage pour le décliner à sa manière avec une rapidité d'exécution qui lui vaut le surnom de "Luca fa presto". Du nord au sud de l'Italie sa virtuosité fascine et il reçoit de nombreuses commandes de Naples, Venise et Florence.

Le grand format s'avère encore trop petit pour Giordano et il réalise de nombreuses fresques dans les églises de Naples, dont il devient le décorateur mythique. 

 En 1692 il se rend en Espagne. Il réalise les fresques pour le Cason del Buen Retiro à Madrid, le monastère de l'Escurial ou encore la cathédrale de Tolède et devient durant dix ans peintre de Charles II. Il révolutionne le style local abandonnant parfois le pinceau pour peindre avec ses doigts.

A la mort de Charles II en 1700, il rentre à Naples où il  meurt en 1705

La production de Lucas Giordano est immense, plus de cinq mille œuvres, fresques et tableaux. L’exposition en présentait une centaine dans une scénographie  évoquant un palais avec ses salons, couloirs, pièces de réception, chapelle , qui se succédaient dans une ambiance de bleus, de verts, d'ocres.

(photos MP) 

Giordano fresquiste - 

Une salle présente une projection grandioses des fresques pour le Cason del Buen Retiro et l'Eglise Saint Antoine des Allemands à Madrid, ainsi que du monastère Royal de l'Escurial

LA FABRIQUE DU GESTE

Il fait un temps merveilleux à Paris ce 7 février. Le musée d'Art Moderne a retrouvé son entrée avenue du Président Wilson, mais certains murs extérieurs sont encore dissimulés par des échafaudages, ce qui prouve que l'on continue à l'embellir.

L'exposition Hans Hartung peut être une prolongation de ma visite récente à l'exposition de Pierre Soulages : ils ont été très amis dès 1947 et le sont restés jusqu'à la mort d'Hartung en 1989.

Hans Hartung est l'un des plus grands inventeurs du langage abstrait et pour lui le geste était primordial.

Dès la fin des années 1940, Hartung rencontre un succès considérable. 1950 en est la consécration internationale. Il sera le pionnier des mouvements abstraits de la seconde partie du XXe siècle : art informel, action painting, tachisme, abstraction lyrique. L'abstraction lyrique c'est laisser parler le geste sur la toile, peindre d'instinct ; cette conception écrasera toutes les autres sous l'appellation "Nouvelle Ecole de Paris" jusqu'à ce que d'autres artistes, d'autres critiques plus jeunes l’évincent. La Nouvelle Ecole de Paris sera confrontée à une rivale "l'Ecole de New-York" qui aura une autre vision de la peinture avec Pollock, Kline, Rothko...

Pierre Soulages dit que Hans Hartung "pouvait être très sympathique, surtout lorsqu'il était en confiance. Mais au premier abord il était parfois distant, fermé". Hartung était un homme blessé, blessé moralement par le nazisme. Né à Leipzig en 1904, il est contraint en 1935 de fuir l'Allemagne pour la France. Il s'engage dans la Légion Étrangère. Blessé durant l'attaque de Belfort en 1944, il perdra une jambe. Il sera naturalisé français et recevra la Croix de guerre.

En 1929 Hartung a épousé Anna-Eva Bergmann, également peintre. A l'aube de la seconde guerre mondiale il se séparent, mais se remarient en 1952 pour ne plus se quitter se soutenant l'un l'autre dans leurs créations. Ils s'installeront à Antibes en 1973 dans une superbe maison moderne, devenue une Fondation (ils n'ont pas eu d'enfants).

Toute sa vie, Hartung restera dans l'abstraction mais sans être figé, il poursuivra en permanence ses recherches et expérimentations de matières, de contrastes, de tracés.

La peinture d'Hartung semble opposée à celle de Soulages : il joue avec la couleur, Soulages n'utilise que le noir, Hartung privilégie le geste rapide, Soulages a un geste ralenti, contrôlé, très éloigné du lyrisme.

Jusqu'aux années 1960 Hartung aura une manière très particulière d'être lyrique, mais il ne l'est que dans les petits formats exécutés en quelques secondes sur du papier. Il choisit ensuite parmi ces petits formats ceux qu'il considère pouvoir devenir une oeuvre sur toile. Il reporte alors au "carreau" et au millimètre près son dessin. Sa spontanéité est donc suivie d'un travail rigoureux. Il a élaboré cette technique du report dans les années trente alors qu'il n'avait pas les moyens d'acheter toutes les toiles qui lui auraient été nécessaires. Il la poursuivra plus de trente ans. Cette application à reproduire ce geste minutieux et contrôlé le rapproche de Soulages. Ils ont aussi la même détermination à mettre en avant "La Peinture" et non leur personnalité : Soulages signe au dos de ses toiles, Hartung d'une écriture si minuscule en bas de ses tableaux qu'il faut être tout près pour la découvrir.

A partir des années 1960, Hartung incise la matière, inspiré par la gravure et l'eau forte qu'il pratique. Il n'ajoute pas de matière il en enlève : "n'importe quoi qui griffe, gratte : ongles, brosses à dents, épingles" et toutes sortes d'outils prolongement de son bras qu'il fabrique lui-même : fourches pinceaux, tampons, raclettes etc...

Dans les années 1970 pour badigeonner ses toiles de noires il utilise des rouleaux à lithographie qui enduisent la toile de façon plus inégale qu'un rouleau de peinture. Il utilisera aussi la sulfateuse annonciatrice des aérosols.

Octogénaire, handicapé, sa main n'est plus aussi agile. Pourtant, avec l'aide de ses assistants, ses tableaux n'ont jamais été aussi grands. Il utilise des pulvérisateurs et des balais de genêts coupés dans son jardin. Sans toucher la toile au sol, de loin, il donne de l'amplitude à son geste.

Il ne faut pas oublier "Hartung photographe". Il a réalisé des milliers de photographies "j'ai la manie de tout photographier parce que la photo est ma seconde mémoire".

Hans Hartung décède à Antibes en décembre 1989, il aura eu l'émotion de voir tomber, le 9 Novembre, le mur de Berlin avec le désenclavement de sa ville, Leipzig, allemande de l'Est.

Hartung, Soulages, alter ego dans la vie...devant leurs œuvres grands formats, devant les lourdes portes noires de Soulages ou devant l'infini nuageux d'Hartung dans lequel je flotte sans repères, j'ai le même sentiment d'être face à l'au-delà : face à moi-même.

Texte et photos Michèle Pellevillain

Et mon grand coup de cœur, la dernière salle 1987

Et la dernière oeuvre du Maître

Une exposition riche en œuvres dans les belles salles lumineuses du MAM. Jusqu'au 1er MARS 2020. A ne pas manquer pour voir l'extraordinaire qualité des matières d'Hans Hartoung que les photographies ne peuvent pas montrer.